Le retour à la figure

Au sortir de la Première Guerre mondiale, plusieurs artistes cherchent à dessiner un monde en rupture avec les horreurs de 14-18. C'est aussi la période du retour à la figure en peinture.

Qu'est-ce que le retour à la figure ?

Les artistes cherchent une nouvelle façon de représenter la figure humaine qui se nourrit d'inspirations variées : la sculpture antique, la peinture de la Renaissance italienne, la sculpture romane ou celle d'Afrique et d'Océanie. 

Les trois sœurs d'Henri Matisse

Ce tableau de 1917 représente 3 jeunes femmes de façon assez réaliste, tout en simplifiant le dessin des traits des visages, et en choisissant de les placer devant un fond monochrome. La disposition du fauteuil, légèrement tourné de côté, crée une impression de perspective les trois femmes semblant être sur des plans différents.

L'attention de Matisse pour les couleurs se traduit par le choix des vêtements. Le peintre se permet des associations inhabituelles de mauve et de vert, relevées par du noir, afin de composer une harmonie.

Le modèle c'est le foyer de mon énergie.

Pour ce triple portrait, Matisse a fait poser une jeune femme italienne qu'il prénomme Lorette. C'est le 1^er modèle professionnel avec lequel il travaille entre la fin 1916 et 1917. Anna, sœur du modèle, aurait aussi posé pour ce portrait. Pourtant le peintre brouille les ressemblances. Alors qu'il a réalisé plusieurs versions des Trois sœurs, il semble que Lorette lui ait parfois servi pour plusieurs personnage sur une même toile.

Je dépends absolument de mon modèle que j'observe en liberté et c'et ensuite que je me décide pour lui fixer la pose qui correspond le plus à son naturel.

À la recherche d'un nouveau naturalisme

► L'installation d'Henri Matisse à Nice dès 1917 marque pour l'artiste un tournant stylistique avec la recherche d'un nouveau naturalisme. Plusieurs sources d'inspiration sont évoquées pour Les trois soeurs  :

• Le balcon de Manet avec l'utilisation du noir,
• l'influence de l'estampe japonaise est également présente par le cadrage légèrement décentré.

► Au cours de la guerre, Amedeo Modigliani abandonne la sculpture, néfaste pour sa santé fragile, et se consacre à la peinture. La stylisation des traits du visage, comme les yeux vides sans pupilles, de la Femme au ruban de velours renvoie à ses expérimentations de sculpteur. Les volumes et le visage-masque de ce portrait rappellent l'intérêt de l'artiste pour la sculpture africaine et océanienne de plus en plus répandu dans le milieu des artistes et des collectionneurs au début du XX^e siècle.

► André Derain, avec le Pont de Charing Cross peint en 1906, développe également un nouveau style après-guerre, en s'éloignant des expérimentations fauve initiées en 1905.

• en 1924, il peint Arlequin et Pierrot, des personnages bien connus du théâtre italien. Malgré le thème de la danse et de la musique, il se dégage une impression de mélancolie à la mesure du paysage en arrière-plan. Derain s'inspire ici des grands maîtres anciens, tant par le thème que par le traitement des sujets et cherche à renouer avec la peinture classique.

► Pablo Picasso explore plusieurs sources d'inspiration durant l'entre-deux-guerres :

• son Grand nu à la draperie rappelle l'art antique : proportions massives de la sculpture monumentale, tissus en drapé des modèles antiques. Picasso se nourrit également de l'art de ses contemporains. Dans cette œuvre, on pense aux nus féminins peints par Ingres et Renoir.